Я буду как можно чаще выкладывать изображения на разный вкус и цвет думаю в этой теме каждый найдет что то новое интересное, поучительное, вдохновляющее для себя! Так же и Вы загружайте свои изображения в тему! © Ar2rkA Unreal real - образ жизни
Правда, похоже на пещеры, залитые таинственным светом? А на самом деле это трехмерная оптическая томография сосудистой оболочки глаза. Посмотреть вложение 32287
Посмотреть вложение 32731 Посмотреть вложение 32732 Посмотреть вложение 32733 Сайнс-арт (science art) — это Спойлер область современного искусства на стыке художественного и научного, творческого и технологического. Произведения «научного искусства» имеют под собой серьезную исследовательскую базу, опираясь на достижения учёных, но также обращаются к эмоциям, позволяя не только осмыслить, но и прочувствовать науку. Можно сказать, что это художественный способ презентации научных данных и изобретений, которые приобретают в презентации эстетическую ценность. Речь идёт не о научной визуализации и не о художественных произведениях, посвящённых науке и учёным. Изображение раковой клетки — это ещё не в полной мере science art, а вот рисунок из раковых клеток, подсвеченных с помощью гена флуоресцирующей медузы — уже био-арт, частный случай science art, когда художники работают с живым материалом, бактериями, живыми организмами, органическими процессами. Инструментами «научного искусства» также могут быть алгоритмы, диджитал-средства, электронные устройства и многое другое. Занимаются «научным искусством» те, кто сочетает подход учёного и художника, имея соотвествующие компетенции в соотвествующих дисциплинах и способность образному мышлению и творческим высказываниям. Вот несколько примеров объектов сайнс-арта, созданных как маститыми перформансистами, так и молодыми художниками. Рука, экзоскелет и ухо Стеларка Стеларк — живая легенда робо-арта и трансгуманизма, почётный профессор искусства и робототехники Университета Карнеги-Меллона. Ещё в 80-х годах он сконструировал себе третью руку, управляемую мышцами ног и живота. В 1995-ом году в рамках одного из перформансов Стеларк подключил электроды к собственным мышцам, а пользователи из разных городов могли приводить его тело в движение. Можно сказать, что это была интернет-версия перформанса Марины Абрамович «Ритм 0». В другой раз он подключил к себе систему пингования, задействуя глобальные серверы — на активность сети тело Стеларка откликалось непроизвольными подёргиваниями конечностей. Стеларк пытается заглянуть в будущее, находящееся почти за пределами возможного, делая его возможным с помощью техники. Стеларк театрализует теорию скорости освобождения, в которой тело отпадает, как ступень ракеты, по мере того как Homo sapiens мчится по виткам «панпланетарной» постчеловеческой эволюции. Марк Дери писатель, исследователь медиакультуры Художник снял с помощью микрокамер несколько фильмов о том, что происходит внутри его тела, сконструировал экзоскелет, похожий на паука, и вживил себе под кожу биополимерное ухо, дополненное микрофоном, что позволяет другим людям слышать то же, что слышит он — таким образом, обычная приватность органов чувств нарушена. В будущем, как предполагает Стеларк, мы сможем пользоваться чужими органами чувств для получения разнообразных ощущений: «Представьте себе сенсорный опыт, который не привязан ни к какой географической местности, не ограничен границами или органами чувств конкретного тела». Бодимодификация призывает задуматься о пресмотре традиционных представлений о телесности, ощественном и частном. Возможно, в символическом плане многие из нас делают примерно то же самое, рассказывая миру о своих завтраках с помощью Instagram и Periscope — пару десятилетий назад это показалось бы таким же шокирующим, как ухо на руке. Стеларк в экзоскелете. Эдуардо Кац и тайны генома О проектах этого художника мы уже писали на Newtonew. Основной предмет интереса Каца — генетическая структура организмов и возвожность переписать текст нашей ДНК. В рамках проекта Genesis он с помощью нуклеотидов записал в геноме батерии текст. Нельзя сказать, что подобная процедура по коррекции генома уникальна. Однако Кац использовал строки из Библии: «И да владычествует человек над рыбами морскими, и над птицами небесными, и над скотом, и над всею землею, и над всеми гадами, пресмыкающимися по земле», что стало не только наглядной демонстрацией того, как работает принцип, но и поводом для дискуссий. Создание синтетической ДНК – довольно странный опыт в том смысле, что всем молекулярным биологам и без него было очевидно, что эксперимент удастся. Но этот опыт очень важен для популяризации в широких массах идеи, что ученые действительно неплохо понимают, как работает генетический аппарат клеток. Александр Панчин биолог, популяризатор науки Кроме того, Эдуардо Кац вырастил растение с генами человека (алая петуния с генетической последовательностью из иммунной системы самого Каца) и создал светящегося в ультрафиолетебиолюминисцентного кролика Альбу. Подробнее узнать об этих и других работах художника можно на его сайте. Тот самый цветок по имени Эдуния. «Кентавр» Марион Лаваль-Жанте Французская группа художников Art Oriente Objet призывает к тому, чтобы более ответственно относиться к растениям и животным, которых наши технологии инструментализируют. В рамках медицинского перформанса художница Марион Лаваль-Жанте в течение нескольких месяцев вводила себе в кровь иммуноглобулины крови лошади. Подобные опыты на людях в Западной Европе не проводятся, тогда как животные постоянно становятся объектами исследований и воздействий. Иммуноглобулины лошади образовали связь с белками человеческого тела, оказав влияние на работу организма. По субъективным ощущениям художницы, она стала более чувствительной и восприимчивой благодаря изменениям в нервной системе. Какими будут долгосрочные последствия для организма Лаваль-Жанте, точно спрогнозировать нельзя. Тем не менее, данные, полученные в ходе акции-эксперимента могут помочь в лечении аутоиммунных заболеваний с использованием инородных иммуноглобулинов. «Подопытная» художница на ходулях-копытах. Ещё несколько арт-проектов Спойлер Португальский биолог и художница Марта де Менезес меняет рисунки на крыльях бабочек и создаёт скульптуры из белков. Джо Дэвис получил приз фестиваля Ars Electronica за «Бактериальное радио»— радиоприемник из колонии мирооорганизмов, и, как Кац, закодировал строки текста в геном бактерий, только в его случае это была поэзия Гёте. Миколь Ассаель с помощью каскадного высоковольтного генератора, трансформатора и медные пластин создал пространство «Уроки Чижевского», в котором при любых прикосновениях возникают разряды. Дэвид Боуэн научил мух рисовать с помощью руки-манипулятора. В проекте «Мидас» Пола Томаса датчик с золотым покрытием и атомно-силовой микроскоп позволяют клеткам человеческой кожи «звучать» и генерировать образы. За кем следить в России Программа Политехнического музея «Polytech.Science.Art: Наука.Искусство.Технологии», цель которой — налаживание взаимоотношений науки и медиаискусства, создание и курирование проектов, связанных с сайнс-артом. Laboratoria — некоммерческий исследовательский центр с выставочной площадкой, который занимается междисциплинарным взаимодействием современного искусства и науки. Проекты Дмитрия Булатова, одного из самых заметных исследователей «искусства будущего» в России: под его редакцией вышла на русском языке антология сайнс-арта. Издание называется «Эволюция от кутюр: Искусство и наука в эпоху постбиологии» и состоит из двух томов: «Практика» и «Теория». Подлинная задача футурологии и научной фантастики и всегда состояла не в том, чтобы описать то, как будут работать те или иные достижения техники, а о том, чтобы рассказать, как они повлияют на человека и общество. Примерно таким же образом сайнс-арт стремится не просто рассказать, как работает та или иная технология, а разобраться в том, что это значит для нас и как это нас изменит.
Посмотреть вложение 32866 Польский художник модернизирует известные картины Спойлер Польский музыкант и художник fotostyczna при помощи подручных средств воссоздает на своих фотографиях полотна мастеров XVII века, добавляя к ним современные детали. Как бы выглядели шедевры голландской живописи, если бы их творцы жили сегодня? Какую музыку бы слушала «Девушка с жемчужной сережкой» Вермеера? Стала бы еврейская пара позировать Рембранту в модных очках? На эти вопросы фотограф пытается ответить в своих работах. Посмотреть вложение 32859 Посмотреть вложение 32860 Посмотреть вложение 32861 Посмотреть вложение 32862 Посмотреть вложение 32863 Посмотреть вложение 32864 Посмотреть вложение 32865 Посмотреть вложение 32867 Посмотреть вложение 32868
Прикольно, напоминает песню Психеи - "убей мента"!!!! Но - это надо в тему - ==Т.М. Unreal Real "Unreal Graffiti"== Туда скидывай - подобное!!!! Хорошо ??? Российский колорист раскрашивает фотографии начала XX века Новый взгляд на исторические снимки Посмотреть вложение 33038 Посмотреть вложение 33039 Посмотреть вложение 33040 Посмотреть вложение 33041 Посмотреть вложение 33042 Посмотреть вложение 33043 Посмотреть вложение 33044 Посмотреть вложение 33045 Посмотреть вложение 33046 Посмотреть вложение 33047 Посмотреть вложение 33048 Посмотреть вложение 33049 Посмотреть вложение 33050 Посмотреть вложение 33051 Посмотреть вложение 33052 Посмотреть вложение 33053 Посмотреть вложение 33054 Посмотреть вложение 33055
Посмотреть вложение 33554 Спойлер Физики: Рембрандт писал автопортреты при помощи оптических проекций Спойлер При написании автопортретов Рембрандт использовал оптические трюки, чтобы добиться фотографической точности, заявляют физики. Физик Фрэнсис О’Нил из Оксфорда и его коллеги проанализировали оптические технологии, которые существовали в 16 и 17 веках и сконструировали систему, с помощью которой можно было спроецировать изображение на холст. Об этом сообщает РИА «Новости» со ссылкой на статью, опубликованную в Journal of Optics. «Художник Дэвид Хокни и физик Чарлз Фалько первыми в 2000 году выдвинули идею, что выдающиеся художники старого времени могли использовать оптические технологии для того, чтобы повысить реализм и точность своих автопортретов. Эта идея была встречена многими нашими коллегами с большим скептицизмом — они заявляли, что реализм автопортретов и талант их авторов, наоборот, указывают, что такие трюки им были не нужны», — рассказал О’Нил. Авторы статьи сконструировали пять подобных систем. Они состояли из нескольких наборов линз, кривых зеркал и камер-оскур. «Многие автопортреты Рембрандта выточены или написаны на листе меди, на поверхности, на которой проекцию можно было легко увидеть. Его работы построены на технике светотени, контрасте света и тени, которая так же является базой для работы всех светопроекторов. Более того, на многих автопортретах Рембрандт смеется или смотрит вбок, что было крайне сложно увидеть и написать, если бы он просто смотрел в зеркало», — объясняет физик. Исследователи уверены, что по крайней мере Рембрандт, а возможно и другие живописцы того времени, пользовались такими приборами.
В этих местах прекрасное темное небо - проблем с засветкой тут нет уже много лет. 30 лет. Звездное небо над Чернобыльской зоной отчуждения и Припятью. Фотограф: Нужно, войти или зарегистрироваться для просмотра скрытого текста. Свежие фотографии от нейтринной коллаборации ICECube c Южного полюса. Фото: Christian Krueger IceCube/NSF Первое в истории изображение Марса, сделанное космическим аппаратом, было раскрашено..вручную.
Фрэнк Стелла «Вы видите то, что видите» Спойлер Самобытный стиль Фрэнка Стеллы начал складываться к концу 1950-х годов в цикле «черных картин», поверхности которых заполнены черными полосами, отделенными друг от друга узкими белыми промежутками. Именно в данный период, варьируя компоновку этих полос, мастер сосредоточился на проблемах чистой, как бы абсолютно безличной визуальности. С 1959 пользовался активной поддержкой ведущего нью-йоркского галериста Л.Кастелли. Вскоре (с 1960) последовали серии «алюминиевых» и «медных» картин — с полосами, написанными красками соответствующих металлических оттенков. При этом мастер перешел от традиционных прямоугольных форматов к «фигурным холстам» в форме букв L, T или U. В 1971 обратился и к исторической теме (цикл Польские деревни, навеянный памятью о Холокосте), решая её с помощью фактурно-конструктивных беспредметных рельефов, напоминающих крыши деревянных синагог. В его сериях (лабиринтообразные Концентрические квадраты — с 1983, и др.) со временем возросла роль яркой полихромии. В середине 1970-х годов начал создавать особо крупные, прихотливо-криволинейные картины, расчерчивая их с помощью судостроительных лекал (цикл Экзотические птицы, с 1976); позднее придавал подобным композициям рельефность, вводя в них обрезки стальных труб и проволочной сетки. Отдал дань уважения конструктивизму, исполнив в 1982—1984 немало плоскостных (литографских) и рельефных вариаций по мотивам графики Эль Лисицкого. Ранний «хардедж» с его четким геометризмом сменился в поздних вещах мастера (пространственно-трехмерная Серия волн, 1985—1989; и др.) более романтичной и биоморфной манерой. В ней ярко проступило типичное для постживописной абстракции этого периода размывание границ между живописью и декоративным искусством. В 2009 Фрэнка Стелла наградили Национальной медалью США в области искусств. В 2011 он получил премию Международного центра скульптуры за жизненное достижение. *** Фрэнк Стелла: «В конце концов, если вы не романтик, вам не стоит создавать картины». Из интервью Фрэнк Стелла разговорчив и держится непринужденно: он привык говорить о своем творчестве. Стелла, которому 79 лет (2015 г), принадлежит к тому поколению художников, которые не боялись управлять восприятием своего искусства. Его самые знаменитые слова о собственных картинах — «вы видите то, что видите» — были произнесены им еще в 1964 году. «После этих слов в картинах не так уж много остается, ведь правда?» — спросил тогда интервьюер Брюс Глейзер. «Я не знаю, что еще там есть», — ответил Стелла. Художник по-прежнему прямолинеен и, хотя в его речи иногда сквозит чудаковатость, отвечает на вопросы сдержанно и взвешенно. Нынешние его работы не похожи на минимализм, лицом которого он был в 1960-х. Сейчас у художника мало забот. «Думаю, что самое приятное в моем возрасте — то, что вы все уже совершили, и теперь дело за другими», — говорит он. — Ваши работы очень сильно изменились за полвека, со времен «Черных картин» (1958–1960). Тем не менее куратор Майкл Аупинг утверждает, что все ваше творчество — это один способ видения. Вы согласны с этим? — Не могу поручиться. О художниках всегда говорят, что у них есть стиль или манера. Вы можете следить за его рукой и видеть, как он мыслит. Думаю, это относится и ко мне. Но главное обо мне — это то, что даже в ранних работах для меня всегда была очень важна структура. Те работы стремились к самоорганизации, и я чувствую, что это подспудно присутствует во всем, что бы я ни делал. Я действительно не способен отказаться от структуры. Не знаю, захотите ли вы назвать это изобразительной связностью, но, чем бы это ни было, оно есть всегда. — Вас интересует красота? Вопрос неверный, потому что она — данность. Я имею в виду, что никто не задается целью (хотя люди говорят, что они это делают) создавать плохие и уродливые картины. Я думаю, что существует внутреннее чувство, может быть, это что-то вроде вкуса. Мне кажется, что цвет в моих картинах всегда один и тот же. Это часть стиля. В своем роде ваш стиль с вами всегда, независимо от того, как сильно вы меняете композицию. — Вы все еще интересуетесь вопросами живописи? — Это то, что я знаю. Это то, с чего я начинал. Это то, что я до сих пор люблю. Я думаю, что проблемы скульптуры и архитектуры несколько отличаются, но живописная скульптура всегда была. И может быть, сейчас больше живописной архитектуры, чем раньше. В общем, я не знаю, что еще сказать. — В названиях ваших произведений есть отсылки к литературе и истории. Как вы их придумываете? — Трудно сказать. Иногда названия попадают в цель, а иногда проходят по касательной. Нет смысла на этом зацикливаться. Я не должен быть иллюстративным. Серия Моби Дик [1986–1997] была поворотным моментом. Я сам все еще напуган Моби Диком, но эти картины по сути искривленные поверхности. Картины как будто начали двигаться, и роман движется: в них влага, волны и движение. Я говорил много раз: абстракция может содержать в себе многое. В каком-то смысле она может рассказать историю, даже если это изобразительная история. — Вы очень быстро работаете. Например, ваша серия «Польская деревня» включает более сотни работ. Как вам удается поддерживать такой темп? — Мне не кажется, что это так уж быстро. Честно говоря, я не думаю об этом. Я только знаю, что детали все замедляют. Но у меня всегда есть план. Вплоть до недавнего времени — последние лет 20 — я всегда делал подготовительные рисунки ко всем своим работам. — У вас когда-нибудь были кризисы? — Да, я знаю, все хотят, чтобы были кризисы. Ну конечно, бывают, но не знаю, заслуживают ли они называться «кризисами». Я бы назвал это плохим настроением или топтанием на месте, когда вы чувствуете, что нет движения. Но этим ничего не поделаешь. — Но вы не назовете себя романтиком? — В конце концов, если вы не романтик, вам не стоит создавать картины. На самом деле я не знаю и не слышал ни о какой аналитической художественной деятельности. — Что для вас самое главное сегодня? — Дыхание. Это номер один. — В прямом смысле слова? — Буквально. Как ни банально, но это так. Мне хочется видеть мир. Это звучит невероятно обыденно, но самое неприятное, что мне тяжело передвигаться сейчас, мне трудно даже просто пройтись по Челси. Мне бы хотелось заходить в галереи — не важно, что в них выставлено, — как, бывало, делал раньше. Но я просто больше не могу этого делать физически. — Чем же вы теперь занимаетесь? — Я всегда чувствовал, что от меня ускользает XVIII век. Я приблизительно знал историю искусства XVII и XIX веков, а ведь между ними что-то происходило. Поэтому сейчас я читаю об искусстве XVIII века, книга называется От рококо до Революции Майкла Левея. Он часто довольно суров к художникам, даже к тем, которых хвалит. Если вспомнить, что обычно говорят о художниках сегодня, то у него очень острый язык. Мне нравится, как он сказал: в XVIII веке удовольствие было профессией. Это действительно замечательная строчка. Сейчас я как раз этим занимаюсь. Пак Побрик 28 декабря 2015
